VALÈNCIA. La casa, el nuevo largometraje de Álex Montoya, se estrena en cines el 1 de mayo tras su paso por la Sección Oficial del Festival de Málaga y el BCN Film Fest. Basada en el famoso cómic homónimo de Paco Roca , la película está protagonizada por David Verdaguer, Óscar De la Fuente, Luis Callejo, Olivia Molina, María Romanillos, Lorena López, Marta Belenguer, Jordi Aguilar, Miguel Rellán y Tosca Montoya . Con un tono agridulce salpicado de humor, 'La Casa' nos habla sobre la familia, la herencia y sobre el inexorable paso del tiempo. 'La casa' se presentará el próximo lunes 22 en el Barcelona Film Fest tras alzarse con seis premios en el Festival de Málaga: Biznagas de Plata a Mejor Guión, Mejor Música y la del premio del público junto al Premio Feroz Cámara Oscura, el Premio Jurado Joven y también una Mención Especial del Premio Signis.  Tras la muerte de su padre, tres hermanos se reúnen en la casa familiar en la que pasaron los veranos de su infancia. Toca decidir qué hacer con la vivienda, lo que resultará más difícil de lo esperado. Producida por Raw Pictures , Nakamura Films y Haciendo la casa AIE , la película cuenta con la financiación del  ICAA , del Institut Valencià de Cultura y del Instituto de Crédito Oficial , con la participación de Radio Televisión Española ,  À Punt Mèdia  y CREA SGR  y con la colaboración de FGV: Ferrocarrils de la Generalitat Valenciana . La distribución en cines correrá a carga de  A Contracorriente Films. Mamífera Lola disfruta de una vida feliz con su pareja, Bruno, hasta que un embarazo inesperado revoluciona todos sus planes. Aunque Lola siempre ha tenido claro que lo de ser madre no va con ella, ahora se siente cuestionada por las expectativas sociales y se enfrenta a sus temores internos. Durante los tres días que tienen que esperar hasta que llegue su cita en la clínica, Lola se acerca a sus amigas y a su familia con la intención de reafirmar su decisión. Bruno tampoco se había imaginado nunca como padre. Hasta ahora. Liliana Torres (Vic, 1980), estrenó su primera película, Family Tour, en el SSIFF - San Sebastián IFF y participó en la Selección Oficial del Warsaw IFF y del Busan IFF. Fue reconocida con el premio Best European Film Award en Crossing Europe. Su segunda película, ¿Qué hicimos mal?, se estrenó en la Selección Oficial del PÖFF - Tallin Black Nights, y compitió en el Festival de Cine Europeo de Sevilla y en el Miami Film Festival. Mamífera será su tercera película, y cerrará la trilogía autobiográfica que inició con sus trabajos anteriores. En las dos primeras, reflexiona sobre la familia y la pareja respectivamente y, en esta tercera, lo hará sobre la maternidad. “Tenía 25 años cuando, por sorpresa, mi madre me dijo: "no tengas hijos, disfruta de la vida". La frase me marcó. ¿Era mi madre una madre arrepentida? Esta fue la semilla que sembró mis dudas sobre la maternidad. Se ha hablado poco hasta ahora de lo que llegar a los 40 sin hijos significa para las mujeres. Especialmente para aquellas que tienen la posibilidad de tenerlos, pero no quieren. La sociedad, aunque esté abierta a nuevos modelos parentales, todavía no cuestiona que los hijos e hijas sean el centro de la familia. Las mujeres sin hijos son relegadas a tópicos baratos (soltera, antinatural, egoísta...), victimizantes y limitantes. He ido descubriendo que no quiero tener hijos. Quiero contar la historia de una mujer que decide no ser madre para hacer visibles las dificultades de la no maternidad y desestigmatizarla. También me gustaría que Mamífera sirviera como espejo para otras mujeres que han decidido no ser madres y se sienten incomprendidas. Mamífera tiene conflicto y reflexión, pero el humor característico de la pareja principal inunda toda la película y la convierte en una dramedia. Mi deseo es que esta película no sirva para reivindicar una opción de las mujeres contra otra, sino para tejer redes de comprensión entre todos los posibles modelos”, explica la directora.See omnystudio.com/listener for privacy information.

La quimera, de Alice Rohrwacher, llega a los cines este 19 de abril distribuida por Elastica Films. Esta original, misteriosa y poética aventura rural tuvo su estreno mundial en la Sección Oficial del Festival de Cannes y se alzó con la Espiga de Plata en la SEMINCI (Semana Internacional de Cine de Valladolid). La quimera cuenta con un reparto encabezado por Josh O'Connor, que interpreta a un arqueólogo involucrado en el tráfico clandestino de artefactos arqueológicos. Ambientada en la campiña toscana, completan el reparto Isabella Rossellini y Alba Rohrwacher.  En su paso por la Sección Oficial del Festival de Cannes, La quimera fue calificada como la película "más libre, imprevisible y misteriosa de toda la competición" y "un homenaje a los extraños personajes que poblaban el cine de Fellini".Lo último de Rohrwacher celebró su premier en España en la Sección Oficial de la SEMINCI, conquistando la Espiga de Plata del festival gracias a su frescura, lirismo y encanto. Considerada por muchos la heredera del neorrealismo italiano, Rohrwacher invita con La quimera, su cuarto largometraje, a vivir una nueva fábula con toques mágicos y poéticos que nos traslada a la Italia rural de los años 80. Sueños y pan Sueños y Pan, nos muestra un Madrid como telón de fondo, donde dos jóvenes, Javi y Dani, protagonizan una emocionante peripecia tras robar un cuadro. La historia se entrelaza con la vida de una mujer adicta y su hijo, quien, a pesar de todo, aún conserva su inocencia. El reparto está encabezado por el actor Javier de Luis y George Steane, conocido por su trabajo con Pedro Almodóvar en el cortometraje Extraña forma de vida. El jurado la describió como "radical, novedosa y audaz", y la verdad es que esta definición es acertada. Por todo eso, entrevistamos a su director, Luis (Soto) Muñoz. El Consentimiento El Consentimiento, el segundo largometraje de Vanessa Filho, llegará a cines el próximo 19 de abril de la mano de Vercine. Presentada en el Festival Internacional de Tallin, donde Kim Higelin se alzó con el Premio a Mejor actriz, y nominada a Mejor guion adaptado y a Mejor actriz revelación en los Premios César 2024, se trata de la adaptación de la impactante novela homónima de Vanessa Springora, con el que la escritora y editora sacudió el panorama intelectual y sociopolítico francés e internacional, contribuyendo incluso al cambio en las leyes nacionales francesas sobre la edad legal del consentimiento.  Escrita en colaboración con la propia Springora y François Pirot, la película reabre un debate de profunda actualidad a través de la narración de relación de dominación que la autora mantuvo a los 14 años años con el famoso escritor Gabriel Matzneff, 36 años mayor que ella, un pederasta y depredador sexual que hasta hace muy poco era celebrado en el mundo de las letras.  Protagonizada por una inmensa Kim Higelin en su debut en el largometraje y por Jean Paul-Rouve en su mejor papel desde La vida en rosa, completan el reparto Laetitia Casta (Un hombre fiel), Sara Giraudeau (Médico de noche) y Lucie Debay (Omen).  El Consentimiento, que se estrenó en Francia en octubre de 2023, provocó una gran reacción viral entre el público joven a causa de la crudeza de ciertas escenas y diálogos. Esto acabó generando un trend en la plataforma TikTok donde muchos se sumaron grabándose antes y después de ver la película en cines, creando gran expectación.See omnystudio.com/listener for privacy information.

No es ningún secreto, que aquí nos obsesionan las imágenes. Lo que aparece en ellas, pero sobre todo las decisiones que toma la persona que decide enfocar una u otra cosa. Por eso, cuando en Filmin nos saltó el título Historias de Teleprisión, un canal de televisión creado por presos en la cárcel de Carabanchel, no podíamos dejar de darle al play. Presos que en ese momento mutaban de presos políticos a aquellos que delinquían por el paro o por la droga. Historias de teleprisión nos intenta explicar cómo fue la creación de una televisión hecha por y para los presos, y el día a día de la cárcel más masificada en la españa de 1986. No esperéis un documental al uso, ni una producción “joya” como se suele decir ahora. Cuenta con testimonios del director del canal, combinados con una voz en off que sitúa un poco al espectador de las imágenes. Teleprisión fue la primera actividad cultural de aquella cárcel. La biblioteca, las salas de estudio y los talleres llegaron mucho después. Las imágenes se grababan con una cámara que les proporcionó la institución y se pasan por las televisiones de cada pasillo. Sangre en los labios Sangre en los labios, el nuevo thriller de A24 protagonizado por Kristen Stewart y dirigido por Rose Glass (Saint Maud), se estrenará en cines el próximo 12 de abril de la mano de Filmin y Avalon, anteriormente anunciado para el 19 de abril. La película, cuyo título original es Love Lies Bleeding, retrata la electrizante historia de amor y crimen entre Lou (Kristen Stewart), una solitaria gerente de gimnasio, y Jackie (Katy O’Brian), una recién llegada a Las Vegas en busca de su sueño de ser culturista. Como una frenética reacción en cadena, su pasión las empuja hacia la violenta red criminal de la familia de Lou. El estelar reparto lo completan Ed Harris (El show de Truman), Dave Franco (Infiltrados en clase) y Jena Malone (Donnie Darko). Además, la película tuvo su premiere mundial en Sundance y su premiere internacional en el Festival de Berlín, donde recibió una cálida acogida por parte de los espectadores y de la crítica.La película se erige como un thriller de venganza que explora la fuerza embriagadora de los excesos, la ambición y el amor loco a través de la combinación de comedia negra, crimen queer, pulp explosivo y dramas familiares. “Pocos directores están haciendo películas tan cinematográficas, vivas y estilizadas”, comenta Stewart. “Rose hace películas que no emulan a ninguna otra, aunque puedas percibir sus inspiraciones en ellas. Lo que hace surge desde un lugar tan auténtico que el contexto, la arquitectura y la voz de la película son distintivamente suyas. Creo que quiere asustar al público y a ella misma no con propósitos provocadores, si no para que la gente de media vuelta y se mire a sí misma”. A lo que Dave Franco añade: “Es una historia que no puedes predecir hacia dónde va. El ambiente es extraño y escalofriante a la vez que muy humano y lleno de dramas familiares de lo más locos. (…) Todo es posible en esta película, y eso te mantiene alerta todo el rato”.En una entrevista reciente con la revista Variety, Kristen Stewart explicó que lo que más le interesó de la película fue lo radicalmente distinto que es su personaje Lou –masculina, luchadora, queer sin remordimientos– de todas las interpretaciones estereotípicamente femeninas que han definido su carrera: “Encuentro muy sexy que las cosas que me resultan atractivas se ensalcen. (…) Hay una escena de sexo en la que ni quiera se quitan la ropa, pero va a chocar a los espectadores”. Asimismo, tanto Stewart como Glass tenían claro que estas escenas eróticas debían contener mucha verdad: “Incluso el sexo hetero es siempre igual en las películas, (…) nadie se atreve a mostrarse a sí mismo”, comenta Stewart, y añade: “Glass supo cómo capturar la verdad, dirigió las escenas con máxima precisión”.Se trata del segundo film de la cineasta británica Rose Glass, quien en 2019 sorprendió al público y a la crítica con su opera prima “Saint Maud”, un thriller también producido por A24 que tuvo una acogida excepcional hasta el punto de ser considerada actualmente una “obra de culto moderna”. La esperada “Sangre en los labios” se estrenará en las salas de cine españolas el 12 de abril.See omnystudio.com/listener for privacy information.

Pájaros Desde un parking de El Cabanyal, hasta el Delta del Danubio en Rumanía.Pau Durá nos propone un viaje pasando por la Costa Brava, Italia o Hungría para conocer a Colombo, un ex-músico que trabaja en un taller y vende marihuana que acepta el extraño encargo de conducir para Mario. Un supuesto amante de las aves que va siguiendo el viaje de una grulla muy especial.Y así comienza este viaje, con esta pareja tan imprevista que se enfrenta a todo tipo de contratiempos en idiomas conocidos y desconocidos, mientras que el espectador también es conducido por escenas de alegría, ternura y tensión.Esa ternura, y a la vez esa tensión sólo se consigue con dos interpretaciones fantásticas que encarnan dos tipos de hombres muy diferentes que buscan los mismo, el perdón por sus decisiones del pasado.Javier Guiterrez como un machote inseguro, que se ríe alto y conoce miles de maneras de pedir la cuenta. Un padre ausente, un rockero fracasado,  que no quiere ver en espejo lo que todos los demás ven, y para el que es demasiado tarde para arreglar algunas cagadas que le hicieron perder a su mujer.Y Luis Zahera, al que todos tenemos en mente en papeles tan aterradores como el de As Bestas, el Reino o Celda 211 de repente se mete en el traje de un personaje tartamudo, larguirucho que se va quedando dormido por las esquinas, y que arrastra una herida gigante que necesita cerrar. Merecidísima la Biznaga a mejor interpretación que se llevó en el festival de Málaga, y papel alentador para aquellas a las que nos gusta ver a actores actuando, no actores haciendo el mismo papel una y otra vez.Pájaros, Cómo evidencia en el título, y en el cartel que es bastante mono, los pájaros migran buscando su lugar en el mundo, y tengo la sensación que ese hogar es lo que buscan también estos personajes. Su Friedrich La Filmoteca Valenciana presenta un ciclo sobre la directora vanguardista estadounidense Su Friedrich (1954, New Haven). Conformado por ocho películas (un cortometraje, cinco mediometrajes y dos largometrajes), se trata de la primera retrospectiva que se hace en España sobre esta cineasta norteamericana.El ciclo es un proyecto del festival Punto de Vista de Navarra, que cuenta con la colaboración de la Filmoteca de Catalunya, Cineteca (Madrid), la Filmoteca de Galicia y La Filmoteca Valenciana. Todas las proyecciones son en sesión única.  Desde 1978 hasta la actualidad, Su Friedrich ha rodado más de veinte películas con una clara conciencia feminista y humanista, grandes dosis de honestidad, sensibilidad y un fino sentido del humor.Sus obras parten de sus experiencias personales, emociones, sueños, miedos y deseos para explorar formas de conocimiento a partir de una toda serie de procesos íntimos como el amor, la sexualidad o la enfermedad. También aborda las relaciones familiares con sus padres y cuestiones sociales como la gentrificación o el activismo lésbico.Sus películas están escritas, filmadas, montadas y sonorizadas por ella, salvo excepciones muy puntuales. Trabajando con una gran libertad formal, Friedrich presta especial atención a la yuxtaposición de textos, sonidos e imágenes de variada procedencia. Pese a su carácter experimental, su filmografía es accesible para un público muy amplio, incluso para los espectadores que no están acostumbrados al cine experimental, feminista o queer.See omnystudio.com/listener for privacy information.

Última Fila no descansa en Semana Santa y atiende dos estrenos imprescindibles del cine europeo e iberoamericano. Por una parte, hablamos de The Beast (La Bestia), el último film de Bertrand Bonello que es toda una catedral metafílmica para hablar de las emociones como gran enemigo de la distópica inteligencia artificial. También hablamos de Puan. María Alché y Benjamín Naishtat se sientan con nosotros en la última fila para hablar de una de las películas argentinas más importantes de 2023. The Beast (La Bestia) La película, que tuvo su estreno mundial en la Sección Oficial a competición en el Festival de Venecia, donde consiguió la mayor puntuación de la crítica, supone el gran regreso de Bertrand Bonello, realizador de 'Nocturama', 'Zombi Child', 'Coma' y 'Saint Laurent', entre otras. Su estreno en nuestro país tuvo lugar en la 68º edición de la SEMINCI (Semana Internacional de Cine de Valladolid), donde la protagonista de la película, Léa Seydoux, recibió el premio a la Mejor Actriz. En ‘The Beast (La Bestia)', adaptación libre de 'La bestia en la jungla' de Henry James, el cineasta francés nos traslada a un futuro distópico dominado por la inteligencia artificial y en el que las emociones humanas se consideran una debilidad. Combinando la ciencia ficción y el melodrama, Bonello explora los cambios que el avance tecnológico ha generado en nuestras vidas: cómo han mutado las relaciones humanas, en este caso, a partir de la irrupción de la inteligencia artificial. En esta asombrosa historia que transcurre en tres tiempos y espacios, nos encontramos con Léa Seydoux ('Dune 2', 'Crímenes del futuro', 'Una bonita mañana', 'La crónica francesa', 'La vida de Adèle') y George MacKay ('1917', 'Ofelia', 'El secreto de Marrowbone', 'Captain Fantastic', 'Pride') como protagonistas principales. En un futuro cercano en el que reina la inteligencia artificial (IA), las emociones humanas se han convertido en una amenaza. Para librarse de ellas, Gabrielle debe purificar su ADN regresando a sus vidas pasadas. Allí se reencuentra con Louis, su gran amor. Pero el miedo la invade y presiente que se avecina una catástrofe. En palabras de su director, guionista y compositor: "En primer lugar, quería hacer el retrato de una mujer y abordar de frente el amor y el melodrama. Después, confrontarlo con el cine de género, ya que para mí el romance y el género parecen responder el uno al otro. Mi deseo era entrelazar lo íntimo y lo espectacular, el clasicismo y la modernidad, lo conocido y lo desconocido, lo visible y lo invisible. Hablar, quizás, del más desgarrador de los sentimientos, el miedo al amor. 'The Beast' también es el retrato de una mujer que casi se convierte en un documental sobre una actriz". Además de director y guionista, Bertrand Bonello es también músico y compositor. Se trata de uno de los directores franceses más eclécticos y personales del panorama actual. Un autor que retrata la contemporaneidad como nadie, desde un estilo robusto pero incómodo. Su trabajo también ha sido asociado a la corriente New French Extremity. Desde la presentación de 'Le pornographe' en Cannes 2001, Bonello es uno de los nombres imprescindibles del cine francés contemporáneo. Puan La película argentina Puan se estrena en cines españoles este 27 de marzo de la mano de La Aventura. Nominada en los Premios Goya, el título fue doblemente premiado en el Festival de San Sebastián. Marcelo Subiotto fue galardonado con la Concha de Plata a la Mejor Interpretación Protagonista y los directores y guionistas de PUAN, María Alché y Benjamín Naishtat, recibieron el premio del jurado al Mejor Guion.  Esta es una comedia filosófica, llena de interpretaciones y momentos memorables, que funciona también como un retrato político de gran intensidad, teniendo especialmente en cuenta el contexto argentino actual. El elenco del film cuenta con Marcelo Subiotto, Leonardo Sbaraglia, Julieta Zylberberg, Alejandra Flechner, Cristina Banegas, Andrea Frigerio, Mara Bestelli, Gaspar Offenhenden y la participación especial de Lali Espósito como Vera Mota.  Marcelo (Marcelo Subiotto) ha dedicado su vida a la enseñanza de filosofía en la Universidad de Buenos Aires. Cuando su mentor muere inesperadamente, asume que heredará la titularidad de la cátedra vacante. No imagina que el carismático y seductor Rafael Sujarchuk (Leonardo Sbaraglia) volverá de Alemania para disputarle el puesto.See omnystudio.com/listener for privacy information.

En el programa de esta semana, atendemos un estreno y un libro sobre cine. Hablamos de la polémica última película de Jessica Hausner, que no obtuvo el respaldo de la crítica en su presentación en la pasada edición de Cannes. Por otra parte, hablamos con Áurea Ortiz sobre su ensayo El arte de inventar la realidad. Cuando la ficción dinamita las certezas, publicada por Barlin Libros. Club Zero La profesora Novak se une al equipo de docentes de un internado internacional para impartir clases sobre “alimentación consciente”. Uno de sus objetivos principales es enseñar que “comer menos es más saludable”, una práctica con la que se va ganando la confianza de sus alumnos hasta que saltan las alarmas entre el profesorado y los padres. Demasiado tarde: el Club Zero se ha hecho realidad y no será sencillo romperlo. Según explica la directora: “Club Zero pone el objetivo en los padres que delegan la responsabilidad de la educación de sus hijos en profesores que pueden distorsionar esa relación de confianza que se les ha concedido. En nuestro caso, la profesora Novak manipula a los alumnos y les aleja de sus padres. Cuando estos perciben el peligro y deciden salvar a sus hijos, ya es demasiado tarde. Club Zero aborda este temor y plantea la pregunta: ¿Cómo pueden los padres velar por sus hijos cuando simplemente no tienen tiempo para ellos?”. Y añade: “Este es un problema que afecta a la sociedad en su conjunto: los acontecimientos descritos en la película podrían sucederme tanto a mí como a cualquiera. Los padres no saben todo lo que sucede en la escuela y no tienen el tiempo ni los medios para averiguarlo. Vivimos en un sistema basado en la meritocracia que nos exige trabajar cada vez más. Y tengo la sensación de que el fracaso de los padres es sistémico. Club Zero tiene lugar en un internado para enfatizar el hecho de que los padres dependen de los educadores. En nuestra sociedad, la enseñanza suele estar mal remunerada y no suficientemente valorada, y debería ser justo lo contrario. ¿Deberían los padres confiar plenamente en los profesores o deberían asumir más responsabilidades? ¿Por qué pasa esto en una sociedad basada en el trabajo y el éxito? Me interesa cómo nuestra sociedad delega este tipo de responsabilidad. Como dice la directora Dorset: Los padres no tienen tiempo para estar con sus hijos, por eso es nuestra responsabilidad brindarles la atención y el cariño que necesitan»”.   El arte de inventar la realidad. Cuando la ficción dinamita las certezas El arte de inventar la realidad. Cuando la ficción dinamita las certezas es un ensayo breve que analiza cómo la ficción, en muchas ocasiones, supera a la realidad, llegando a (con)fundirse una con otra. ¿Qué es lo real? ¿Qué es una ficción? En el contexto actual, en un mundo puramente digital, las imágenes han cobrado un papel fundamental a la hora de sondear el mundo en el que vivimos, a través de ficciones creadas para el cine o las series de televisión y plataformas de streaming.  El motivo de este libro se relaciona con la necesidad de revelar el poder de las imágenes y las ficciones a la hora de construir nuestro imaginario y capacidad de separar la realidad de la ficción. En este sentido, la autora, experta y crítica de cine, analiza a partir de diversos ejemplos de series y películas de nuestra historia, cómo algunas imágenes han terminado superponiéndose a la realidad, y cómo las ficciones se han adherido a nuestro imaginario creando una forma de entender el mundo y lo que nos rodea. En un contexto cada vez más digitalizado y plagado de imágenes, ¿cómo deberíamos relacionarnos con la ficción? La autora plantea la necesidad de reflexionar sobre las ficciones a través del cine, su influencia y cómo deberíamos entenderlas a la hora de discernir lo que es real de lo que no lo es. See omnystudio.com/listener for privacy information.

Esta semana, Última Fila atiende la cartelera y las filmotecas. Por una parte, atendemos los estrenos de How to have sex y Nuestro último baile. Por otra, entrevistamos a Inés Toharia por su documental Cine, registro vivo de nuestra memoria, que está recorriendo las filmotecas de España y que funciona como un encendido homenaje a los archivos audiovisuales y su cuidado. How to have sex  Tres adolescentes británicas se van de vacaciones para celebrar sus ritos de iniciación: beber, salir de fiesta y ligar, en lo que debería ser el mejor verano de sus vidas Premio a la Mejor Película en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes, donde sorprendió al público y prensa especializada y 3 premios British Independent Awards (Mejor Interpretación Protagonista para Mia McKenna-Bruce, Mejor Interpretación de Reparto para Samuel Bottomley y Mejor Casting). How to have sex recibió el premio FIPRESCI en los European Film Awards, donde obtuvo 3 nominaciones. En España, participó en la Sección Oficial de la SEMINCI - premio Pilar Miró a la Mejor Nueva Dirección y el del Jurado Joven a Mejor Película - y en Festival Cine por Mujeres Madrid, donde ganó el premio a Mejor Película Internacional. Ha pasado por los festivales de Hamburgo (premio Arthouse Cinema Award), Estocolmo (donde ganó a Mejor Director y Mejor Ópera Prima), Atenas (premio a Mejor Película), Zúrich, Busan, Jerusalem y Melbourne. La idea para la película se le ocurrió a Walker tras rememorar con algunos amigos el verano previo a la universidad en el que viajaron a España para salir de fiesta (un ritual, que ella misma comenta, es muy común entre los británicos). El ambiente sexualmente desinhibido marcó mucho su recuerdo y el de sus amigos: “estas fiestas son mundos construidos en torno a la presión sexual” y menciona cómo la historia puede incomodar a una parte del público masculino: “Perturbará a muchos hombres, porque muchos han estado en esas situaciones", dice. "No estamos retratando la agresión de manera violenta o excesiva, sino como algo real.” La directora, que ya participó con Good Thanks, You? en la Semana de la Crítica 2020, lanza una mirada ingeniosa, matizada y, en última instancia, devastadora, sobre los entresijos de la amistad femenina y la sexualidad adolescente.  Cine, registro vivo de nuestra memoria El documental Cine, registro vivo de nuestra memoria, aplaudido por la crítica y proyectado ya en festivales, salas y filmotecas de más de 30 países, está haciendo gira por las filmotecas españolas de la mano de la distribuidora Lost & Found. Desde su estreno en la Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, la película de Inés Toharia ha tenido un potente recorrido internacional. The Hollywood Reporter asegura que la película de Toharia “deleitará e iluminará a la cinefilia” y para The Guardian, “nos urge a ser más conscientes de cómo archivamos y preservamos las películas que vemos y filmamos” y “celebra el pequeño milagro que ocurre cada vez que rescatamos otro título del borde de la extinción”. Por su parte, el cineasta brasileño Walter Salles afirmó en una mesa redonda en la Cinémathèque Suisse que esta “sublime” película sirve para “conectar con los héroes anónimos de la preservación de cine, quienes nos han permitido entender a través del cine que el mundo es mucho más grande y complejo de lo que imaginamos” Cine, registro vivo de nuestra memoria arroja luz sobre el inmenso valor de un trabajo habitualmente invisible: el de la preservación de películas y materiales cinematográficos, que se lleva a cabo en filmotecas, archivos, fundaciones y otras instituciones a nivel internacional. Porque con cada película que se pierde, se pierde parte de la memoria de la época en la que fue rodada. A través de cientos de entrevistas, imágenes de archivos de todo el mundo y un montaje que atrapa, la cinta de Toharia nos ofrece una mirada personal, técnica y artística sobre la preservación y restauración, sobre su enorme importancia y sobre sus futuros desafíos, que no se resuelven con el paso al digital. Nuestro último baile La directora suiza Delphine Lehericey ya había conquistado al público con dos historias centradas en una juventud física como lo son Puppylove y El horizonte, ambas presentadas en el Festival de Cine de San Sebastián y ganadora esta última del Premio Lurra y otros tantos galardones del cine suizo. Con su tercer largometraje, Nuestro último baile, también ha comenzado con buen pie, Premio del Público en el Festival de cine de Locarno y, si bien se ha centrado en el otro extremo de la vida, se ha servido de un personaje igualmente joven de espíritu: Germain, interpretado por el ganador del premio César François Berléand. Una excusa para dar un toque de atención, en un registro cómico, a todos esos adultos que tratan a sus mayores, independientes, autónomos, útiles, como adolescentes. Pues como tal, Germain "se rebela" ante sus hijos buscando refugio en algo que nunca antes había experimentado, la danza contemporánea. Extraño para el personaje, pero no para la cineasta, que antes de dedicarse al mundo audiovisual había trabajado sobre las tablas en proyectos con una intensa vinculación con la danza. Por eso no dudó en fichar para el rodaje a La Ribot, artista multidisciplinar madrileña, una mujer referente con reconocimientos tales como el Premio Nacional de Danza o la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes, entre otros. Para la ocasión no solo se ha encargado de la coreografía de la película, sino que se ha estrenado como actriz, interpretando un curioso personaje de sí misma. Nuestro último baile supondrá el debut en la distribución de LAZONA, (productora de éxitos como la saga Ocho apellidos o No habrá paz para los malvados), que se estrenará en salas españolas el 15 de marzo de 2024.See omnystudio.com/listener for privacy information.

Esta semana, entrevistamos a Celia Rico, que ha presentado en Málaga Los pequeños amores, película que inmediatamente se estrena hoy en cines. Por otra parte, hablamos de Stop Making Sense, el mítico concierto de Talking Heads, que vuelve a los cines en su nueva remasterización en 4K. Los Pequeños Amores Los pequeños amores, el nuevo largometraje de Celia Rico (Viaje al cuarto de una madre) llega a los cines este viernes 8 de marzo de la mano de Bteam Pictures.La película protagonizada por María Vázquez (Matria) y Adriana Ozores (Thi Mai, Rumbo a Vietnam), junto a Aimar Vega (Modelo 77), compite en la Sección Oficial del Festival de Málaga.Los pequeños amores es una producción de Arcadia Motion Pictures, Viracocha Films AIE en coproducción con la francesa Noodles Production.Rodada en diferentes localizaciones de Catalunya, Los pequeños amores explora el contradictorio vínculo de admiración y reproche entre dos mujeres de generaciones muy distintas;  un vínculo que define y atraviesa la manera en la que viven sus experiencias más íntimas. Teresa (María Vázquez) cambia sus planes de vacaciones para ayudar a su madre (Adriana Ozores), que ha sufrido un pequeño accidente. Madre e hija pasarán juntas un verano de lo más sofocante, en el que no conseguirán ponerse de acuerdo ni en las cosas más triviales. Sin embargo, la obligada convivencia removerá más de lo esperado y en las noches estivales Teresa vivirá momentos reveladores junto a su madre.Los pequeños amores ' es una película sobre dos mujeres que han elegido caminos aparentemente opuestos y que ahora se reencuentran en el mismo lugar, compartiendo sus experiencias sobre el amor y la soledad.En palabras de la directora y guionista, Celia Rico: “Los pequeños amores no es una película sobre la maternidad, tal vez lo sea sobre su reverso, la 'hijidad', si existiera esa palabra. Siempre me ha resultado curioso que no haya en nuestro vocabulario forma alguna de nombrar la condición de ser hijo, esa que, probablemente, sea la única que compartimos todos por imperativo y para siempre. Ser 'siempre hija' es el telón de fondo de esta historia, en la que he intentado navegar por la biografía emocional de una mujer en sus cuarenta y preguntarme sobre los modos posibles de sostener la vida y el amor a determinadas edades, cuando los padres se hacen mayores o ya no están, cuando los proyectos amorosos se desvanecen o no tienen como fin formar una familia". Stop Making Sense Regresa a los cines Stop Making Sense, una cita musical y cinematográfica que reúne a los Talking Heads, una de las mejores bandas de la historia, y al reputado director Jonathan Demme, ganador del Oscar a Mejor Director. Elástica reestrenará en cines el que es considerado el mejor 'concert film' de la historia que la prestigiosa A24 ha resucitado para reivindicar a la icónica banda de rock. Con Stop Making Sense, el por aquel entonces joven cineasta Jonathan Demme pretendía seguir la estela de otros largometrajes musicales anteriores como The Last Waltz de Martin Scorsese o Rust Never Sleeps de Neil Young. Al director estadounidense siempre le encantó la música y había tenido la oportunidad de ver tocar a los Talking Heads a principios de 1983 en Hollywood, quedando fascinado por la magnética presencia del vocalista David Byrne y por la fuerza y potencia del directo de la banda. Partiendo de su enfoque directo y honesto, el objetivo de Demme fue recoger en cámara para la posteridad el mejor 'concert film' de la historia, transmitiendo al espectador toda la energía de asistir a una actuación de los Talking Heads.Estrenada en cines en 1984, Demme filmó con 7 cámaras y durante cuatro noches los conciertos que los Talking Heads, la banda compuesta por David Byrne, Tina Weymouth, Chris Frantz y Jerry Harrison dieron en el Teatro Pantages de Hollywood Boulevard durante la Navidad de 1983.Uno de los momentos más memorables del concierto es cuando Byrne sale a escena a cantar la canción Girlfriend Is Better con el Big Suit, un traje absurdamente grande que estaba inspirado en parte en el teatro Noh japonés y que se ha convertido en un icono no solo de Stop Making Sense sino también del propio cantante.Tras su estreno en cines, el concierto filmado recibió excelentes críticas y fue considerado como "una de las más grandes películas de rock jamás hechas", además de recibir calificativos como "abrumadora", "fascinante" y "brillante", destacando también la habilidad de Jonathan Demme para capturar "el enérgico e impredecible directo de la mejor época de Talking Heads en todo su esplendor y agudeza visual".Para celebrar su 40 aniversario, Elastica estrenará en nuestros cines una restauración completa de la película que retrata la frenética energía de la banda en su momento álgido. Considerado por muchos el mejor concierto filmado de todos los tiempos, Stop Making Sense se estrenará en cines el 8 de marzo.See omnystudio.com/listener for privacy information.

Esta semana la cartelera acompaña la actualidad del sector. Aún con el aliento congelado después de las últimas acusaciones de Carlos Vermut, vamos a hablar desde donde mejor sabemos, desde las imágenes. Se estrena Not a Pretty Picture, un documental vanguardista que vuelve a las salas después de su restauración en 4K para poner sobre la mesa el debate del consentimiento sexual y la semiótica que lo acompaña.También analizaremos La Mecánica de los Fluidos, un escalofriante video-ensayo sobre la comunidad incel, dirigido por la española Gala Hernández, ganadora del el Premio César.Y finalmente, hablaremos con Sara Mansanet, gestora cultural, integrante del grupo de trabajo de violencias de la Junta Directiva de CIMA, también es delegada en la Comunitat Valenciana, sobre el trabajo de la asociación, el camino recorrido desde 2006 y las herramientas que están implementando para fomentar la igualdad para las mujeres en el sector audiovisual.See omnystudio.com/listener for privacy information.

Hoy, en Última Fila, entrevistamos a los responsables de dos películas brillantes que llegan a los cines este mismo viernes. El otro día, en el informe de taquillas semanal, se alzaba la voz de alarma. El pasado fin de semana fue desastroso. Pero hoy aquí no vamos a hacer ninguna defensa genérica de ir al cine. Os vamos a recomendar de corazón que, si vais al cine, vayáis a ver las dos películas de las que hablaremos. Dos joyas, desde lugares distintos, de nuestro cine, que no os deberíais perder. Este es uno de esos fines de semana donde se alinean los astros. Así que poneos cómodos, escuchad Última Fila y mientras, id haciéndole hueco a La Estrella Azul y a Negu Hurbilak. La Estrella Azul Mauricio Aznar es una figura imprescindible de la escena rock zaragozana de los 90, líder del grupo Más Birras. Javier Macipe coge prestada su vida para contar una de las historias de autodescubrimiento y música más fascinante que uno ha podido ver, La Estrella Azul. Mauricio, ahogado entre la rutina, las adicciones y la manera en la que se vive la música en España, escapa a Latinoamérica buscando reencontrarse con su vocación. Allí conoce a Carlos Carabajal, uno de los maestros de la chacarera, un subgénero tradicional de la Argentina rural. Carabajal, entristecido por el poco apoyo a su creación, y Mauricio, un músico pérdido, se acogen con generosidad. De su encuentro nace un extravagante dúo quijotesco, con todos los visos de ser un absoluto fracaso comercial. Javier Macipe dirigiendo y Pepe Lorente como protagonista lideran este film que es transparente como pocas veces he visto, y eso es lo que hace, en resumen de esta película una muy especial. Para desarrollar esto, quién mejor que ellos mismos para explicarlo. Negu Hurbilak En 2011 el prolongado conflicto que vive el País Vasco parece llegar a su fin. Una joven huye con un claro objetivo: cruzar la frontera. Llega a Zubieta, un pueblo fronterizo donde antiguos mitos y conflictos modernos parecen converger. Con el paso del tiempo, un tiempo difuso e indefinido, donde los días se convierten en noches y las noches en días, su huida comienza a ser cada vez más laberíntica… Mientras las radio informan que ETA ha anunciado el cese definitivo de la actividad terrorista, una joven huye y se aleja de una familia. Cuando se habla de las heridas abiertas, o las que se tienen que cerrar, se hace, deliberadamente, de parte. Y la herida en Euskal Herria son muchas. Tantas, que el silencio que la tirita que se va pudriendo pero nadie se atreve a arrancar. Desde aquí nace Negu Hurbilak, la ópera prima del Colectivo Negu, que presentó el film en el pasado festival de Locarno. Una película inédita porque es una de las pocas firmadas en plural en nuestro cine, también por la manera de romper con cualquier conformismo formal, pero sobre todo por no romper el silencio de una manera altiva, sino preguntarse sencillamente de dónde viene. See omnystudio.com/listener for privacy information.

VALÈNCIA. Esta semana se ha estrenado Priscilla, de Sofia Coppolla. Protagonizada por Cailee Spaeny (Mare of Easttown) y por la estrella de Euphoria, Jacob Elordi, en el papel de Elvis Presley, la película es un interesantísimo e íntimo retrato de Priscilla Presley y su relación de 14 años con el rey del "Rock and Roll". Priscilla tuvo su premiere mundial en el último Festival Internacional de Cine de Venecia, donde la joven actriz Cailee Spaeny ganó la Copa Volpi a la Mejor Actriz y se ha podido ver recientemente en el BFI London Film Fest, además de ser uno de los platos fuertes del New York Film Festival. Basada en la autobiografía Elvis & Me, escrita por la propia Priscilla Presley, la película relata el largo noviazgo y turbulento matrimonio de Elvis y Priscilla, desde cuando se conocieron en una base militar alemana, hasta su convivencia en una finca de ensueño en Graceland. Esta semana, comparamos esta película con Elvis, la película de 2022 de Baz LuhrmannPor otra parte, invitamos a Carlos Garsán y a Teresa Madueño, compañeros de Culturplaza, a hablar sobre amor y cine, aprovechando la celebración de San Valentín esta semana. ¿Es el cine un buen lugar para una primera cita? ¿Hay películas que llaman más al amor que otra?Clara Gorria también celebra un consultorio amoroso de personajes de ficción para que el resto adivinen quién tiene esos problemas amorosos.See omnystudio.com/listener for privacy information.

VALÈNCIA. Mientras seas tú. El aquí y ahora de Carme Elías nació hace cinco años como una forma de resistir y de luchar contra la impotencia de un diagnóstico ante el que “no se puede hacer nada”, como una creación conjunta entre la directora venezolana afincada en València Claudia Pinto y la actriz Carme Elias. En la película, el arte y la creación se convierten en ese faro que nos ilumina en los momentos más oscuros. Mientras seas tú. El aquí y ahora de Carme Elías es un testimonio generoso, valiente, vitalista, sin solemnidad, que no pretende hacer pedagogía sobre el alzheimer, sino acompañar a una actriz que se enfrenta con una lucidez aplastante a la pérdida de su consciencia. “Mi último viaje consciente”, como le llama la propia Carme.Ese aquí y ahora que persiguen los actores es la premisa que entreteje este pacto de amor y amistad, de cine e interpretación. Un viaje creativo hacia la incertidumbre. Un salto al vacío sin red que se convierte en una contundente invitación a vivir el presente.See omnystudio.com/listener for privacy information.

VALÈNCIA. Sala de profesores, de Ilker Çatak: Carla Nowak, una idealista profesora de matemáticas y deportes, comienza su primer trabajo en una escuela de secundaria. Cuando se producen una serie de robos en la escuela y se sospecha de uno de sus alumnos, decide llegar al fondo del asunto por su cuenta. Carla intenta mediar entre padres indignados, colegas obstinados y estudiantes agresivos, pero se enfrenta a las implacables estructuras del sistema escolar.En Inmotep, de Julián Genisson (a quien entrevistamos), un joven chófer investiga la desaparición de un cliente. Cuenta con la ayuda de su profesor de italiano, un agente inmobiliario sin hogar y un artista que utiliza fotografías de archivo al azar para ilustrar sus sueños. Todo parece una pista en este mundo un poco absurdo, pero ¿de qué?See omnystudio.com/listener for privacy information.

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VALÈNCIA.  Este viernes se estrena La Zona de Interés, la nueva película de Jonathan Glazer en la explora la deshumanización del holocausto sin necesidad de mostrar ninguna imagen desde dentro del campo de concentración de Auschwitz. De paso, repasamos la filmografía anterior del director y lo relacionamos con el concepto de lo espeluznante, del que escribió largo y tendido Mark Fisher.También repasamos otros estrenos de cartelera: Slow y Cuando acecha la maldad.See omnystudio.com/listener for privacy information.

VALÈNCIA. En La memoria infinita, Augusto y Paulina llevan juntos 25 años. A él le diagnosticaron Alzheimer hace ocho años. Ambos temen el día en que deje de reconocerla. See omnystudio.com/listener for privacy information.

VALÈNCIA. Esta semana hemos querido mirar más allá de la cartelera. Por eso Clara Gorria y Álvaro Devís se intercambian recomendaciones de películas del último año, clásicas y un apunte de cine más allá de los largometrajes. Un programa especial para hablar en otro tono.See omnystudio.com/listener for privacy information.

VALÈNCIA. Acabamos el año repasando algunas de las entrevistas con directoras clave de estos meses: Laura Citarella (Tranque Lauquen), Laura Ferrés (La imatge permanent), Estibaliz Urresola (20.000 especies de abejas) y Jaione Camborda (O corno).See omnystudio.com/listener for privacy information.

VALÈNCIA. Ayer, 21 de diciembre, se celebró El Día Más Corto, una jornada organizada por la Coordinadora del Cortometraje Español con el objetivo de poner en valor a lo que se conoce, injustamente con "el hermano pequeño del largometraje".Hablamos con Beatriz Hernández, presidenta de la Coordinadora. Bajamos el contexto estatal al valenciano con Irene Cubells, distribuidora de cine y responsable del catálogo Curts. Y acabamos con un repaso a los cuatro cortometrajes valencianos nominados a los Goya.See omnystudio.com/listener for privacy information.

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