Última Fila

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Un lugar desde el que ver la pantalla con más perspectiva. Álvaro G. Devís y Clara Gorria repasan los estrenos de las próximas semanas en la cartelera y hablan con algunas de los responsables de estos. read less
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Estética de lo disponible: cuando el cine va más allá de su presupuesto
05-07-2024
Estética de lo disponible: cuando el cine va más allá de su presupuesto
VALÈNCIA. El 5 de julio se estrena en cines en España Blondi, primer trabajo como directora de la argentina Dolores Fonzi. La película se presentó con gran éxito en el Festival de cine de San Sebastián (Horizontes Latinos), en el BAFICI de Buenos Aires y obtuvo tres nominaciones a los premios Platino en las categorías de mejor ópera prima, mejor actriz y mejor música original.Con la propia Dolores Fonzi en el papel de Blondi, la película cuenta además entre el reparto con algunos de los intérpretes argentinos más reconocidos del panorama internacional como Rita Cortese, Leonardo Sbaraglia o Carla Peterson. Destaca también, en su primer papel como protagonista, el joven actor Toto Rovito, que ya había trabajado junto a Fonzi bajo la dirección de Santiago Mitre en “Argentina, 1985”. El elenco en su conjunto fue galardonado con el premio a la mejor actuación en el BAFICI de Buenos Aires, donde también estaban nominados en la categoría de mejor película. Blondi nos ofrece una nueva visión sobre la maternidad y la familia. El personaje femenino central, interpretado por la cineasta, muestra a un adulto anclado en una eterna adolescencia, pero que daría todo por el bienestar de su hijo y de su familia. Una comedia fresca y gamberra, donde suenan populares bandas de rock-indie como “Las ligas menores”, “The velvet underground” o “Blondie”. Una película que nos hace también reflexionar sobre las relaciones y los vínculos familiares.  Dolores Fonzi es una destacada intérprete, productora, guionista y directora argentina de cine y series, con una larga trayectoria profesional. Su trabajo en 2015 en la película “Paulina”, dirigida por Santiago Mitre, la consagró definitivamente como actriz a nivel nacional e internacional. Ha participado en más de 30 películas como actriz, entre ellas Truman” (2015) de Cesc Gay, “La Cordillera” (2017) de Santiago Mitre, o “Distancia de rescate” (2021) de Claudia Llosa. Con Blondi debuta por todo lo alto al otro lado de la cámara, además de dirigirse a sí misma. See omnystudio.com/listener for privacy information.
'Una odisea balcánica': Tras los pasos de Theo Angelopoulos y 'La mirada de Ulises'
28-06-2024
'Una odisea balcánica': Tras los pasos de Theo Angelopoulos y 'La mirada de Ulises'
VALÈNCIA. Una odisea balcánica traza un recorrido intimista por varios países balcánicos — Grecia, Albania, Macedonia del Norte, Bulgaria, Rumanía, Serbia y Bosnia-Herzegovina— siguiendo los escenarios de la película del realizador griego Theo Angelopoulos, La mirada de Ulises, de 1995. Una geografía marcada por los conflictos, las fronteras inciertas y las pasiones humanas. Este mapa personal, en forma de diario de viajes, es un elogio a la pasión del autor por el cine, la gente y la cultura de los Balcanes. El resultado es una guía alternativa, cinéfila y a ratos provocadora, ideal para viajeros sin complejos. Shayda Ganadora del Premio del Público del Festival de Cine de Sundance, candidata australiana a la mejor película internacional en los Premios Óscar 2024, cinco nominaciones a los Premios de la Crítica Australiana, dos de ellas traducidas en premio: el de Mejor Actriz y Mejor Guion... Shayda, la ópera prima de la directora iraní Noora Niasari ha conquistado crítica y público allá por donde ha pasado.Producida por Dirty Films, una apuesta de Cate Blanchett, y protagonizada por la multipremiada Zar Amir Ebrahimi -Mejor Actriz del Festival de Cannes 2022 por Holy Spider. Araña sagrada-, Shayda nos traslada a la infancia de la propia directora, cuando pasó un tiempo en un centro de acogida para mujeres maltratadas junto a su madre. Un relato basado en su realidad, pero con una gran carga de luz y esperanza, con el que ha querido rendir un homenaje a la valentía de su madre y a la de todas las mujeres iraníes. Casa en flames Casa en flames, la nueva comedia dramática de Dani de la Orden, llega a los cines este viernes 28 de junio.Casa en flames, que inauguró con gran éxito de público y crítica el pasado BCN Film Fest, está protagonizada por Emma Vilarasau, Enric Auquer, María Rodríguez Soto, Alberto San Juan, Clara Segura, José Pérez-Ocaña y Macarena García. Recientemente la película se hizo con el Premio del Público en el Festival Internacional de Cinema en Català (FIC-CAT).Diez años después del estreno de 'Barcelona, nit d'estiu', Dani de la Orden vuelve a trabajar con el guionista Eduard Sola (guionista de 'Barcelona, nit d'estiu' y 'Barcelona, nit d'hivern') y a rodar en catalán esta comedia dramática sobre "el lado más oscuro de las familias, sobre todo lo que se calla, lo que no se dice y de la parte menos tierna y más egoísta que tenemos todos con la gente a la que más queremos". See omnystudio.com/listener for privacy information.
'Alumbramiento' pone el foco en los bebés robados, una de los tragedias más oscuras de España
20-06-2024
'Alumbramiento' pone el foco en los bebés robados, una de los tragedias más oscuras de España
Ladj Ly estrena este viernes Los indeseables, la segunda entrega de una trilogía sobre la situación social en las banlieu francesas. Con Los miserables, que denunciaba la violencia policial, entró por la puerta grande en el olimpo del cine de autor europeo. ¿Pero por qué exactamente? Sencillamente por dos cosas: primero, estar en el momento y en el lugar correcto. Tras el episodio de violencia policial racista de 2018 en los barrios populares parisinos, Ladj Ly pulsó que era un tema que importaba y que, desde El odio de Mathieu Kassovitz, no había una película mainstream que abordara un conflicto que seguía muy presente. Además, ya tenía las redes y la experiencia en esos barrios para no parecer una persona ajena que se quería aprovechar de la situación de vulnerabilidad. Lo segunda clave de su éxito fue leer la necesidad de potencia visual que parece exigir el audiovisual en este momento, con una puesta en escena radicalmente estudiada para que todos los planos impactaran y funcionaran casi como un gran videoclip. En Los indeseables sin duda no ha perdido el pulso sobre la puesta en escena, pero tal vez sí lo haya hecho en el planteamiento y en el guion. En esta ocasión, el director se centra en la violencia política. Tras la repentina muerte del alcalde de la ciudad, Pierre, un joven médico idealista, es nombrado para sustituirle. Pretende continuar la política de su predecesor, que soñaba con rehabilitar un barrio obrero. Pero rehabilitar pasa, precisamente, por imponer en un barrio una vida que sus habitantes no quieren. Y la alternativa es echarles a la fuerza. La política, como decíamos, pero también la vivienda y la policía (siempre la policía) son identificados como los grandes enemigos de la clase obrera migrante. A partir de esa buena intención, el problema de Los indeseables es que subraya tanto todo el rato, que genera una película de trincheras con personajes tremendamente planos. No solo eso, con la necesidad de que se crucen la vida de los personajes pero también con la distancia natural entre la clase política y la población vulnerable, se acaba generando una artificialidad en la historia que acaba generando una sensación más verdadera que la realidad: parece que Ladj Ly sea un director ajena, cuando sabemos que no lo es. Estos problemas no permiten salvar las imágenes de la película, que acaba siendo una excelente película para explicar los problemas y las tendencias audiovisuales populares contemporáneas, pero no para hacer avanzar nada. Tal vez ese sea el gran pero de la película, que pulsa el presente pero no hace resonar nada en el futuro. ALUMBRAMIENTO Es 1982 en España, y mientras los simpatizantes del PSOE celebran la primera mayoría absoluta de Felipe González como si se tratara de un Mundial de Fútbol, una madre y su hija intentan llegar en taxi al Patronato de la Mujer. Lucía, la joven, está embarazada y la solución es internarla junto a otras jóvenes. Alumbramiento, la película de Pau Teixidor, explora, a través de Lucía, dos de los grandes dramas por lo que se podía pasar siendo una adolescente embarazada en aquella España que seguía siendo muy oscura: el nulo acceso a un tratamiento de interrupción voluntaria del embarazo y, en aquellos Patronatos, el drama de los bebés robados. Dos temas sobre los que Teixidor propone hablar desde el prisma de las propias chicas y que hace con mucha sensibilidad. Y para saber cómo ha sido construir está película le hemos invitado a Última Fila. ¿Qué tal, Pau? MAMÁNTULA Un apunte más, esta vez de una película pequeñita que llega a Filmin también este viernes. Se trata de Mámantula, de Ion de Sosa, y que sigue una estela extraordinaria de varias películas recientes que reivindican un misterio a medio camino entre la libertad absoluta en la puesta de escena y un manejo brillante del misterio creado precisamente por esa puesta en escena y no por los miedos sociales evidentes. Ahí estaría, claro, Espíritu Sagrado, de Chema García Ibarra; pero también la más reciente Inmotep, de Julián Genisson. Ios de Sosa, que comparte como digo amistad y escena con los otros dos autores, propone en este mediometraje una investigación policial que busca resolver una serie de asesinatos que están sucediendo en lugares de cruising en la ciudad de Berlín. Alguien está succionando el interior de los cuerpos de hombres a través de felaciones. Las pruebas médicas apuntan a una araña gigante. ¿Qué pasa entonces? Pues que es Mamántula, una araña gigante travestida de humano con sed de venganza y semen. Tras él una pareja de mujeres detectives que intentan resolver, como si fueran Mulder y Scully, este caso tan estrambótico. Lo hacen precisamente, y aquí ya empezamos a hablar de las decisiones de De Sosa, desde la autoconsciencia. El director se toma en serio a sus personajes, y son las propias detectives las que se arrastran hasta la autoparodia. Como en los otros dos ejemplos que he puesto al principio, en Mamántula encontramos un escenario nuevo hecho con los escombros de todo lo que ya conocemos. Una mirada periférica que, en vez de señalar “lo otro” señala “lo familiar”. ¿Y qué es lo familiar? Es Cruising, de William Friedkin, es Expediente X, de Chris Carter, es El estrangulador de Boston, de Richard Fleischer. Y sin embargo, es algo totalmente nuevo. La capacidad de generar ese algo nuevo con los elementos precisamente que explican nuestra cultura audiovisual contemporánea permite que todo entre en un terreno magnético, algo parecido a los cortometrajes de David Lynch, entendiéndolo siempre en su contexto. See omnystudio.com/listener for privacy information.
'Eureka': el western despojado de referentes de Lisandro Alonso
13-06-2024
'Eureka': el western despojado de referentes de Lisandro Alonso
El próximo 14 de junio, Atalante lleva a los cines Eureka, la última película de Lisandro Alonso, una road movie sobre los pueblos originarios de los Estados Unidos, protagonizada por Viggo Mortensen (Green Book, El señor de los anillos) y Chiara Mastroianni (Los hijos de los otros, Los canallas). Previamente, pudo verse en Cannes Première en la pasada edición del certamen y en la Sección Albar del Festival de Cine de Gijón.  El director de Jauja, volvió al Festival de Cannes con una de sus películas más ambiciosas, un viaje fascinante y enigmático a través del tiempo en el que explora la experiencia de las comunidades indígenas comparando la forma de vida de los indios en la selva de América Latina, donde todavía pueden refugiarse en su vasto entorno natural, con la situación de los nativos americanos, que viven en una parcela de tierra asignada por el gobierno estadounidense.  ¿Hacia dónde nos dirigimos? ¿Adónde nos lleva el progreso? ¿Qué ha hecho la noción de progreso por los nativos americanos? ¿Es mejor ser pobre en Sudamérica o estar un poco mejor, pero completamente aislado y sin perspectivas de futuro? ¿Es mejor vivir bajo un árbol viendo la luz a lo largo del día, o ser un engranaje de la civilización occidental?.  Un singular western en blanco y negro con una mirada hacia el futuro en el que Mortensen une fuerzas con Chiara Mastroianni para crear una película mágica sobre la condición global de los pueblos indígenas y nuestra misma noción del progreso.  El cielo rojo El cielo rojo del director alemán Christian Petzold (“Ondina”) se estrenará en CINES el próximo 14 de junio, distribuida por Filmin. La película, que viene de ser premiada en el Festival de Berlín con el Gran Premio del Jurado y de participar en el Festival de San Sebastián, es una comedia dramática sobre cuatro jóvenes desconocidos entre ellos que, por distintas razones, comparten una casa de verano al lado de la playa. Uno de ellos es Leon (Thomas Schubert), un escritor engreído y estancado en su última obra que se va de vacaciones con su amigo, de carácter opuesto, Felix (Langston Uibel). Devid (Enno Trebs), por su lado, es el socorrista de la playa y Nadja, quien ya estaba en la casa cuando los demás llegaron, es una chica misteriosa y escurridiza que va arriba y abajo con su bicicleta rohmeriana. La joven, objeto de deseo y de ira para el escritor protagonista, está interpretada por la ya actriz emblema de Petzold, Paula Beer (“Ondina”).Se trata de la segunda película de la trilogía de los elementos de Petzold, que se inició con el encantador relato sobre una ninfa acuática y un buceador industrial en “Ondina” (2021). Esta vez, el fuego tiñe el cuento. “El cielo rojo” empieza con la llegada de Leon y Felix a la casa, cada uno con sendos planes: terminar su segunda novela y disfrutar del verano en la costa báltica, respectivamente. La presencia casi mística de Nadja en la casa distrae a Leon, a pesar de que nunca se deja ver durante el día y solo se la escucha por las noches mientras mantiene relaciones. El misterio de Nadja irrita y atrae, al mismo tiempo, a Leon.“No fue hasta los ensayos que me di cuenta de que la película iba sobre mí”, admite Petzold haciendo referencia al protagonista, un autor solitario que oculta sus inseguridades y su frustración a través del sarcasmo y la soberbia. “Haciéndola, he aprendido mucho sobre mí mismo, sobre las estructuras narcisistas y sobre el valor del trabajo colectivo”. En la película, cuando un fuego forestal amenaza al grupo, Leon descubrirá si es capaz de preocuparse de algo más que de sí mismo. El director sentencia: “Leon tiene mucho que aprender, al igual que yo”. Green Border Vercine estrenará el 14 de junio Green Border, la nueva película de la tres veces nominada al Óscar Agnieszka Holland (Europa, Europa, Amarga Cosecha, In Darkness). Tras ganar el Premio del Jurado en el Festival de Venecia, el filme pudo participó en la Sección Oficial de la SEMINCI y más adelante pudo verse en el BCN Film Fest, fuera de competición. Es un relato que nos abre los ojos, habla al corazón y nos desafía a reflexionar sobre las decisiones morales que recaen todos los días sobre la gente común y corriente. El bosque en la frontera entre Polonia y Bielorrusia es uno de los últimos bosques primitivos de Europa, a la vez que monumental y traicionero. Las autoridades aislaron a los medios de comunicación y a toda la ayuda humanitaria y médica. Muchos polacos estuvieron de acuerdo con estos métodos, y la Unión Europea tampoco protestó contenta de que el problema se estuviera solucionando sin su implicación. Pero una gran parte de la población local y de los jóvenes activistas, ante el sufrimiento y el miedo de personas inocentes, reaccionaron con normalidad: hay que ayudar a estas personas. Esta es la historia de estos sucesos. Agnieszka Holland habla sobre su implicación personal y política en la película: “Mi generación de cineastas sentía que éramos responsables de representar los problemas del mundo y que era necesario hablar de temas difíciles y hacer preguntas, no sólo existenciales, sino también éticas, sociales y políticas. Soy consciente de que podría provocar reacciones muy desagradables y mal entendidas por parte de las personas, quienes, tal vez si escucharan lo que digo, podrían entenderlo. Pero en general no tengo miedo. No tenía miedo antes, así que no veo ninguna razón para tener miedo ahora. Cada vez tengo menos que perder y cada vez más responsabilidad por lo que debo transmitir.” Lost Country El director serbio Vladimir Perisic ha llegado este lunes a la Sección Oficial de Mostra de València-Cinema del Mediterrani con Lost Country, un film premiado en La Semana de la Crítica del Festival de Cannes ambientado en las elecciones de Belgrado de 1996, en lo que era entonces Yugoslavia, que de forma inesperada acabó perdiendo el partido de Milosevic. "No percibimos la Historia como nos cuentan los thrillers de Hollywood", apunta. La película se centra en Stefan, un adolescente que se encuentra en un dilema moral cuando se enfrenta a su madre, portavoz y cómplice del gobierno corrupto contra el que se levantan y manifiestan sus amigos. Aunque no coincide con su biografía al completo, el director comparte similitudes con el protagonista: "Yo tenía 14 años cuando empezó la guerra de Yugoslavia, crecí viendo algo que no entendía; mi madre también formaba parte del Partido Socialista, aunque no ocupaba un rango tan alto", manifiesta. A través de esta relación materno-filial, Perisic quería también explorar el papel de la mentira en la política: "La madre es una experta en comunicación pero es incapaz de comunicarse con su hijo, no puede hacerle cambiar de opinión pero sí engañarle". Lost Country refleja "cómo la política se abre camino en nuestras relaciones más íntimas y cómo la persuasión, la seducción, incluso la ternura, a pesar de su apariencia no violenta, pueden desempeñar un papel en nuestras luchas de poder", explica el realizador, según ha indicado la organización del festival en un comunicado. La historia de Lost Country "tiene ecos de lo que está sucediendo ahora, cuando el autoritarismo y el nacionalismo regresan a Serbia y mientras la extrema derecha gana terreno en todo el mundo amenazando a la democracia", destaca. See omnystudio.com/listener for privacy information.
Tres estrenos de cine independiente bajo el radar
06-06-2024
Tres estrenos de cine independiente bajo el radar
La comedia independiente americana vivió, hace apenas una década, una nuevo impulso que le elevó a cotas altas gracias a directores como Noah Baumbach. Pero en los últimos años no encontramos grandes deslumbramientos. Noah Pritzker nos brinde en Ex-maridos algo que se acerca mucho a ello. Al menos hace una acercamiento diferente a una trama tradicionalmente masculina. En ella, tres generaciones de hombres viven el desamor en diferentes fases de su vida. Simon Pearce decide divorciarse de su mujer ya en la vejez avanzada. Varios años después, con demencia y viviendo en una residencia, su hijo Peter afronta, a mediana edad, el divorcio con su mujer. Y los dos hijos de estos, Nick y Mickey van de fin de semana a celebrar la despedida de soltero del primero en Tulum, México. Nick y Mickey coinciden con su padre Peter, que también iba al mismo destino para despresurizarse, y durante el fin de semana se encontrarán en diferentes momentos. La despedida de soltero que plantea Pritzker, y aquí vamos a desvelar la que es la gran fortaleza de la película, es poco o nada testosterónica, nada asidua a los lugares comunes, y normaliza (sin pretensiones) un acercamiento mucho menos machista. Ocurre que la gran diversión se ve ensombrada porque Nick está a punto de cancelar la boda, cercado por su precariedad y depresión. Con estos pilares, Nick, Mickey y Peter viven un fin de semana en Tulum con frentes diferentes, de manera introspectiva, pero sin dejar que la comedia atraviese toda la película. Pritzker hace normal lo que no lo es, sobre todo en una película que está tan dominada por hombres. Y no necesita, y doy gracias a dios por ello, remitir a las nuevas masculinidades ni a los no-sé-qué beta, sino que las cosas suceden con la ligereza que permite la profundidad a completar por el espectador. La puesta en escena es sobria y eficiente, y la película solo se embarra precisamente cuando, a la vuelta, empieza un epílogo que frena todo el ritmo construido con subtramas que, o ya estaban resueltas, o no había tanto interés por resolver. Esta frase horrible de “a esta película le sobran 20 minutos” aplica aquí. No se hace, literalmente hace falta que le corten los últimos 20 minutos porque no tienen el más mínimo interés. Aparte de esto, Ex maridos me hace pensar en lo importante que es ver una despedida de soltero en el cine americano de esta forma tan pausada. Y es que casi diría que las despedidas de solteros de los países occidentales beben mucho de las expectativas que ha ido creando el cine americano a lo largo del tiempo. Otra vez, Pritzker acierta haciendo normal lo que no lo es sin ponerse ninguna medalla por ello. Tal vez Ex maridos, por este motivo, interpele más a las personas que socializan con grupos de hombres, porque les hará avanzar. No sé si esto por delicado, interpela igual de poco a las mujeres que las películas de despelotes. En todo caso, un título a ver, sin duda. La comedia indie americana podría volver. Aquí lo ha hecho. Les pires Escondida en pocos cines también encontraréis este viernes una película de la que teníamos muchas ganas de hablar. Lo queríamos hacer desde que ganara el premio a la mejor película en la sección Un Certain Regard en el Festival de Cannes de 2023; y lo confirmamos cuando pudimos verla en La Mostra de València del año pasado. Así que aquí lo tenéis: Les pires, de Lise Akoka  y Romane Gueret. En la barriada Picasso, va a empezar un rodaje. Un director quiere filmar su ópera prima acercándose a las miserias que él no ha vivido pero le apetece contar. Nos suena de algo, del cine social de algunos grandes nombres del cine europeo que juegan precisamente con la vulnerabilidad desde el privilegio y dejan ver sus costuras en sus filmes, aplaudidos cuando solo se ve el qué y no el cómo. Pero un rodaje en un barrio popular, queriendo además contar con actores y actrices no profesionales para que haya más verdad —porque cuando tú no puedes poner verdad alguna, alguien lo tendrá que hacer por ti—, es en realidad un espejo de las relaciones de poder de una industria, la del cine, que estructuralmente tiene poco remedio. Les pires es todo ese reflejo, tomando el punto de vista de los cuatro niños y adolescente que deciden, en un primer momento, participar en la película para contar algo parecido pero no igual a sus vidas. Ellos ven la película como algo nuevo, como algo otro, que no tiene por qué involucrarse en el resto de su vida. Y el director, caótico y con interés por la película final por encima de  todo, no deja que nada permee en su conciencia dormida. Desde este análisis, podría parecer que Les pires es una parodia. Pero lo bueno de esta película es que, siendo clara en su crítica, le da otra vuelta. Y sin dejar de tener razón sobre lo que hemos contado, también en medio de esas relaciones de poder, la humanidad se deja ver entre las grietas y da también los frutos de manera autónoma. Y un rodaje, en tanto en cuanto es un equipo humano convive a todas horas durante un corto pero intenso plazo de tiempo, también puede hacer crecer a las personas y hacerlas mejor, o al menos sacarles del vacío existencial. Les pires es todo eso, contado de una manera sencilla, riéndose de su propio dispositivo. Por eso se mereció el premio en Cannes y por eso, a pesar de estar solo en unos poquitos cines, no podemos dejar de recomendárosla.  See omnystudio.com/listener for privacy information.
El cine, desde el banquillo
31-05-2024
El cine, desde el banquillo
Las películas de juicios han cautivado al público durante décadas, transportándonos a las salas de justicia donde se libra una batalla legal por la verdad, la justicia y el destino de los personajes. Este subgénero cinematográfico ofrece una mezcla fascinante de drama, suspense y elementos psicológicos, explorando las complejidades del sistema legal y las motivaciones de quienes lo integran. Las películas de juicios tienen una larga y rica trayectoria en la historia del cine. Desde los clásicos como 12 hombres sin piedad (1957) y Matar a un ruiseñor (1962), hasta thrillers modernos como Veredicto final (1982) y El dilema (2009), este subgénero ha demostrado su capacidad para entretener y hacer reflexionar al público. Las películas de juicios no solo son entretenidas, sino que también pueden ser una herramienta valiosa para comprender mejor el sistema legal y las complejidades de la justicia. Al exponer las fallas y contradicciones del sistema, estas películas pueden generar un debate social y promover reformas positivas. Continúan evolucionando con el tiempo, adaptándose a los nuevos contextos sociales y políticos. En la actualidad, vemos un creciente interés en las historias que exploran temas como la discriminación, la corrupción y los abusos de poder. Fireworks Este es uno de los viernes de cartelera casi de avalancha, con más de una decena de títulos que compiten por hacerse un hueco, por muy pequeño que sea, y mantenerse una segunda semana. Empieza también la época de los festivales de cine; y mientras no llegan las películas que van ganando, la cartelera ha casi agotado los mejores títulos del año pasado. Así que tenemos a tocar el cine de verano, ese que no nos importa tanto, pero que disfrutamos de la misma manera que disfrutamos una peli de tarde al lado de alguien que queramos, o un blockbuster palomitero que nunca más recordaremos, pero cuyo bochorno pasamos conscientemente entre amigos. Entre la marabunta de estrenos queremos destacar una película que formó parte de la Sección Oficial de la última Mostra de València, Fireworks, una cinta italiana que es la ópera prima de una personalidad televisiva de la Rai, Beppe Fiorello. La película está ambientada en la Sicilia de 1982 durante la copa del Mundo de fútbol que ganó Italia, el del tercer mundial que ganaría su selección. La historia cuenta la compleja relación entre Gianni, que sufre el acoso de los matones del pueblo por sus tendencias homosexuales y una situación familiar angustiosa, y Nino, un atractivo chico con una familia estructurada que suministra fuegos artificiales a todos los festivales y fiestas de la zona. Tras un encuentro casual entre ambos, y una amistad que termina en enamoramiento, los jóvenes deciden vivir su amor libremente, sin ocultarse, mostrando su alegría de estar juntos ante todo el mundo. La gente empieza a murmurar, y las peores reacciones proceden de los lugares más insospechados. En una atmósfera tan masculina, aupada por el fervor futbolístico, dos adolescentes se enamoran: uno al que, en su pueblo, ya tienen machacado; otro que se descubre con una mayor libertad ante él. El cine LGTBIQ+ ha cambiado su categoría, en los últimos años, de una etiqueta a un subgénero. Mala noticia en lo que respecta a la configuración de espacios comunes por los que transitan muchas de las propuestas sobre historias del colectivo. Sin duda, esta película se pasea por casi todos los posibles. Hay muy poca verdad en esta historia, a pesar de estar basado en los hechos reales del asesinato de una pareja homosexual en ese mismo contexto. La verdad se la quitan las imágenes, esos lugares comunes, esa crueldad tan mal equilibrada y esa falta de originalidad en la puesta en escena formal. Los personajes son planos, arquetípicos, y la trama absolutamente predecible. Ni siquiera se sube a la ola de la gran enmienda en cuestión de representatividad que actualmente se está dando: la de dejar de vincular las historias LGTBIQ+ a un destino fatal. No lo hace porque llega a tarde a todo, y el único logro es la construcción de la atmósfera masculina. See omnystudio.com/listener for privacy information.
Isaki Lacuesta: "Los Planetas no se han quedado embalsamados, siguen vigentes"
24-05-2024
Isaki Lacuesta: "Los Planetas no se han quedado embalsamados, siguen vigentes"
Segundo Premio, dirigida por Isaki Lacuesta  y codirigida por Pol Rodríguez, se estrenará en cines el próximo 24 de mayo tras convertirse en la gran triunfadora del Festival de Málaga, consiguiendo los máximos galardones con los premios a la mejor película, mejor dirección y mejor montaje. La película es una producción hispano-francesa de Cristóbal García de La Terraza Films, con la producción ejecutiva de Marta Velasco de Áralan Films, y la coproducción de Edmon Roch de Ikiru Films, Alex Lafuente de Bteam Prods, y Roberto Butragueño de Sideral Cinema. También cuenta con la coproducción de Los Ilusos Films y Toxicosmos AIE, y será estrenada por Bteam Pictures. Isaki Lacuesta y Fernando Navarro firman el guión de esta película, protagonizada por Daniel Ibáñez, Cristalino, Stéphanie Magnin, Mafo, Chesco Ruiz y Edu Rejón. Granada, finales de los 90. En plena efervescencia artística y cultural, un grupo de música indie vive su momento más delicado: la bajista rompe con la banda buscando su sitio fuera de la música y el guitarrista está inmerso en una peligrosa espiral de autodestrucción… Mientras, el cantante se enfrenta a un complicado proceso de escritura y grabación de su tercer disco. Nadie sabe que ese disco cambiará para siempre la escena musical de todo el país.  Isaki Lacuesta, doble ganador de la Concha de Oro del Festival de San Sebastián por “Los pasos dobles” (2011) y “Entre dos aguas” (2018). Ha dirigido, entre otras, las películas “La leyenda del tiempo”, “Los Condenados”, “La noche que no acaba” y “La próxima piel”. Esta última tuvo su estreno en el Festival de Málaga. En 2022, estrenó “Un año, una noche” la cual compitió en la Sección oficial de la Berlinale. Pol Rodriguez con su primer largometraje de ficción, “Quatretondeta" obtuvo 2 Biznagas en el Festival de Málaga. También ha dirigido capítulos de la serie "Deudas",y segundas unidades de películas como "Carta a Eva", "Descalzo sobre la tierra roja" y "Don't grow up”. Ha realizado series documentales como la aclamada "Match Day”, o la serie documental "Year Zero" seleccionada en la sección oficial de Tribeca y producida por la ganadora de un Oscar, Kathryn Bigelow. El último late night El último late night es la nueva película de los hermanos Cairnes, que hasta la fecha habían dirigido dos largometrajes de terror: 100 Bloody Acres (2012) y Scare Campaign (2016). Los directores demuestran su dominio del género con una película que adopta la estética y las formas de un programa de televisión de finales de los 70, Night Owls, un espacio nocturno de entrevistas que presenta el popular Jack Delroy (David Dastmalchian). Después de la muerte de su mujer, Delroy ha vivido momentos muy complicados y las audiencias de su programa lo han acusado. Dispuesto a recuperar el interés de los espectadores, decide montar el especial de Halloween más sonado de la televisión estadounidense, sin ser consciente de la maldición que está a punto de desatar sobre todos los hogares del país. Stephen King fue una de las primeras personas que se manifestó a favor de la película, diciendo de ella que es "brillante" y que nadie debería perdérsela. La crítica especializada, nacional e internacional, la ha destacado como una de las propuestas más sugerentes del cine de terror en los últimos tiempos. Filmin estrena en cine el próximo 24 de mayo una de las películas más esperadas de la temporada por los amantes del cine de terror.   See omnystudio.com/listener for privacy information.
'El gran menú': cuatro horas en las entrañas de un restaurante tres estrellas Michelin
16-05-2024
'El gran menú': cuatro horas en las entrañas de un restaurante tres estrellas Michelin
VALÈNCIA. Filmin estrena el próximo viernes 17 de mayo, en exclusiva en España, el documental El gran menú, una mirada reposada y paciente a uno de los restaurantes más prestigiosos del mundo, Les Troisgros, ubicado en Roanne (Francia), a 100 kilómetros de Lyon. La película lleva el sello de su creador, el veterano Frederick Wiseman, uno de los documentalistas más relevantes del cine contemporaneo, que ha dedicado su vida a retratar algunos de los espacios e instituciones más importantes del mundo, como el Ballet de la Ópera de París (en "La danza"), la National Gallery de Londres ("National Gallery"), la biblioteca pública de Nueva York ("Ex Libris") o la Comedie-Française ("The Games of Love"). Sus documentales se caracterizan, más allá de por su dilatada duración, por no hacer uso de entrevistas, de un narrador o de música extradiegética. Por su parte Les Troisgros, fundado en 1930, posee tres estrellas Michelin desde hace 55 años y ya ha conocido a cuatro generaciones de chefs, todos de la familia Troisgros.Cuenta Wiseman que en el verano del 2020 se alojó en casa de unos amigos en Borgoña. Para agradecerles su hospitalidad quiso invitarles a comer a un buen restaurante, y acabaron en Les Troisgros. Al finalizar el almuerzo, el chef César Troisgros se acercó a saludarles y en ese momento Wiseman le preguntó si podía rodar un documental sobre el restaurante. El chef le dijo que debía consultarlo primero con su padre, pero media hora después el director recibió la autorización. "Después me enteré de que el padre no estaba aquel día en el restaurante y que lo que el chef hizo fue buscar mi nombre en Wikipedia", recuerda Wiseman.El director cree que hay algo que comparten el cine y la cocina como expresiones artísticas: "Como los cineastas, los chefs también están muy preocupados por el aspecto de sus platos, no sólo por el contenido. Como se ve en la película, cada plato se inspecciona antes de que el camarero lo lleve al comedor. Si un riñón está a un centímetro del centro del plato, habrá alguien con unas pinzas para moverlo. Si queda un poco de salsa en el plato fuera de lugar, habrá alguien que la limpiará. Están tan preocupados por la apariencia como por el sabor.". Wiseman no tiene dudas de que "los chefs son artistas en todos los aspectos de su trabajo" y compara la alta cocina con el ballet o el teatro por su naturaleza efímera: "No hay dos actuaciones iguales. Los actores están geniales, el público responde y luego se acabó. No hay ningún registro duradero. En la cocina pasa lo mismo."Wiseman, que tiene 94 años, confiesa que solo enciende el televisor para ver tenis o baloncesto, por lo que se ha mantenido alejado del auge mediático de la cocina en televisión gracias a diversos realities emitidos alrededor del mundo. "Tampoco he visto nunca películas de restaurantes, pero por lo que me dijeron mis amigos, siempre implican muchos gritos y discusiones. Ese no fue el caso aquí, y estuve demasiado tiempo con ellos para que lo pudieran encubrir: siete semanas.", explica.El gran menú se presentó en el Festival de Venecia y ha sido reconocida con el premio al Mejor Documental por las asociaciones de críticos de Florida, Los Angeles o Nueva York. La película se suma al amplio catálogo de Filmin alrededor de la obra de Frederick Wiseman, que incluye 20 de los 46 trabajos que ha realizado hasta la fecha.   Un sol radiant La película Un sol radiant, protagonizada por Laia Artigas (Estiu 1993), Núria Prims (Sica, Historias del Kronen, Hospital Central, Hache), Núria Sales y Jaume Villalta se estrena en cines el 17 de mayo. La película nace del deseo de imaginar lo inimaginable. ¿Cómo sería la última semana de nuestra vida si tuviéramos la certeza de que está llegando a su fin? Un sol radiant es un proyecto colectivo, con dirección de Mònica Cambra Domínguez y Ariadna Fortuny Cardona, guion de Ariadna Fortuny Cardona y Clàudia Garcia de Dios y sonido de Lucía Herrera Pérez y Mònica Tort Pallarès. Un sol radiant cuenta la historia de Mila, quien afronta los últimos días de vida antes del fin del mundo. Mientras lucha por comprender la complejidad de la muerte, también trata de mantener unida a su familia organizando una fiesta que se lleva a cabo el último día de vida en la tierra. Relata la historia del fin del mundo a partir de las vivencias de una familia, los Verdi, desde la perspectiva de Mila, la más joven de la familia. La película está protagonizada por Laia Artigas (Estiu 1993), Núria Prims (Sica, Historias del Kronen, Hospital Central, Hache), Núria Sales y Jaume Villalta. Mila, una niña de once años, y su familia afrontan los últimos días de vida antes del fin del mundo. Diez meses antes, se descubrió que un meteoro se dirigía hacia la tierra, sin dejar posibilidades de supervivencia. A partir de entonces, la familia Verdi, formada por Alicia (45), la madre de Mila; Gabriel (71), el abuelo de Mila, e Íngrid (16), la hermana mayor de Mila, intentan vivir con la mayor tranquilidad posible el tiempo que les queda. La película comienza cinco días antes del fin del mundo, cuando surge la idea de hacer una fiesta para pasar los últimos momentos juntos. Para Mila, esto se convierte en algo a lo que aferrarse, una forma de celebrar la vida antes de que termine. A medida que se acerca, la fiesta se convertirá en mucho más que una simple celebración. Un sol radiant participó en el Festival D'A de Barcelona y ganó el Premio Talents, compitió en la Sección Esbilla en la categoría Espectru del Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón (FICX) y competirá en Sección Oficial de Ibicine. Una producción de Atiende Films, producida por Xesc Cabot y Pep Garrido, con distribución y ventas internacionales de Begin Again Films.   Mars Express Aline Ruby es una testaruda detective privada, y su compañero Carlos Rivera lleva muerto cinco años, pero se ha ‘reencarnado’ en el cuerpo de un robot. Ambos se encuentran en una carrera contrarreloj hacia Marte. Su misión inicial es encontrar a Jun Chow, una estudiante de cibernética a la fuga, antes de que los asesinos que le pisan los talones puedan atraparla. Sin embargo, lo que los investigadores descubren por el camino es más grande de lo que ninguno de los dos podía esperar.   See omnystudio.com/listener for privacy information.
'Marisol' se llama Pepa
09-05-2024
'Marisol' se llama Pepa
VALÈNCIA. Cuando Amaia sacó su primera canción después de OT, un tema de poco menos de dos minutos que hacía referencia a la fama, y al reality en el que participó, yo pensé, uf, y si se marca un Pepa Flores, y si decide desaparecer?Lo pensé porque Amaia, desde que apareció en la tv, fue una cosa diferente al resto, algo que respiraba arte y música, dentro de un contexto de masas.Y es que a Amaita y a mi, nos encanta Marisol, y ella en televisión y entrevista, y yo dándole la turra a Álvaro, (cada una en su contexto) no nos cansamos de hablar de ella, de Pepa Flores.Eso me recordó mucho a la propia Marisol, personaje del que confieso que llevo años enamorada, en parte por su arte, en parte por esa figura de masas clave en el franquismo, y en parte porque cada vez que la veo me recorre esa cosita que te pasa con las pelis clásicas, esa cosita de mentira feliz que te apetece creerte que siempre me ha tenido muy enganchadita.Por eso, cuando vi que se estrenaba Marisol, llámame Pepa, que un documental que recoge la sobreexposición que hizo que su vida privada y su vida pública, su educación y su vida sentimental encontrara límites difusos entre la artista y la persona. Explora el camino que Pepa, tuvo que escoger para encontrar su propia voz, desapareciendo de la vida pública.Hoy quería hablar con Blanca Torres, que ha dirigido como una buena profesora que explica con cariño a sus estudiantes este documental Nina Peli, palomitas y vengarte de un abusador sexual? Si ese es tu plan para este finde, entonces tu película es Nina. Nina es un thriller, o casi un western en el norte de España.Con un inicio que ya engancha, unos total looks que te muertes y una Patria López Arnaiz que ya la habría querido como protagonista Nicholas Rey o el mismismimo Alfred Hitchkock que va vida a una actriz, que vuelve a su pueblo a vengarse de Darío Grandinetti, su pareja cuando esta tenía 17 años, el hombre culto argentino que vio en ella algo más que una niña y decidió pues liarse con ella que te voy a contar. Hasta el fin del mundo Falling no fue un capricho, ni una incursión experimental detrás de la cámara para Viggo Mortensen. El famoso actor presenta ahora su segunda película, Hasta el fin del mundo, que se estrenará en cines el próximo 10 de mayo y que demuestra la capacidad de Mortensen por la creación fílmica, tanto en su dirección como en su guion. El autor empezó la gira de presentación de la película en los Cines Lys de València. Hasta el fin del mundo es un western inusual que deja la cámara en la casa de Vivienne Le Coudy en vez de seguir las aventuras de Holger Olsen en la Guerra Civil estadounidense. Es ella la verdadera protagonista, y el film cuenta cómo tiene que hacer frente a la soledad y a sus traumas, pero también a los peligros del pueblecito del lejano oeste y las fortalezas que le mantienen.  See omnystudio.com/listener for privacy information.
'La imagen incesante': la caverna de la televisión
02-05-2024
'La imagen incesante': la caverna de la televisión
Algo que hace mágico a la naturaleza es la sensación del frágil equilibrio que se ha mantenido por los siglos de los siglos; pero como en otras cosas, de lo que antes dábamos por hecho tomamos conciencia en su ausencia. En un pueblo cercano a Tokyo, Takumi y su hija disfrutan de ese equilibrio natural. En una zona rural, en un pueblo tranquilo, en equilibrio, una empresa quiere construir un glamping. En nombre del progreso, del turismo, quieren construir un alojamiento artificial en mitad de un bosque en equilibrio natural. Es el mismo pueblo el que se revela, consciente de lo difícil que es mantener equilibrio. En este caso, está amenazada la corriente de agua natural, que puede contaminarse, y perder la cuadratura del círculo de ese sistema ecológico perfecto que es un espacio natural respetado por la acción humana. El pueblo, en todo caso, censura el proyecto sin perturbarse. Y el espectador occidental se pregunta: ¿Cómo se puede construir el dramatismo sin subir los decibelios cuando un problema es colectivo? Ryûsuke Hamaguchi lo demuestra en El mal no existe, una película que aprovecha escenas de diálogo largas para hacer, precisamente, una película mínima. La oposición del pueblo, la vida tranquila de Takumi o la ambición impotente del capital necesitan de muy poco para quedar negro sobre blanco. Nada está subrayado, nada sobra, todo está en equilibrio. Todo un ejercicio de cine. En ese sentido misterioso de dónde colocar los elementos narrativos y repartir el peso para que las cosas sucedan sin que apenas se note, es un don que Hamaguchi domina a la perfección. Y en realidad, pasa casi dos horas no solo manteniendo el equilibrio, sino preparando un golpe de efecto, que es algo desconcertante, pero que no desluce el resultado final. El personaje de Takumi, hipnótico, explica la propia película, es reflejo de su totalidad. En esa tranquilidad categórica, en esa defensa pacífica, en esa seguridad de quien se siente en equilibrio, el más urbanita se sentirá como ese cazador de talentos que una vez lo entiende todo quiere quedarse en el pueblo; mientras que la persona que esté más conectada con el medio rural, verá en pantalla grande aquello que le es tan fácil de entender y tan difícil de explicar.   —————- Giorgio Agamben dice: “Contemporáneo es aquel que mantiene fija la mirada en su tiempo, para percibir, no sus luces, sino su oscuridad. Contemporáneo es aquel que recibe en pleno rostro el haz de tiniebla que proviene de su tiempo. Percibir en la oscuridad del presente esa luz que trata de alcanzarnos y no puede: eso significa ser contemporáneos. Por eso los contemporáneos son raros; y por eso ser contemporáneo es, ante todo, una cuestión de coraje: porque significa ser capaces, no solo de mantener la mirada fija en la oscuridad de la época, sino también de percibir en esa oscuridad una luz que, dirigida hacia nosotros, se nos aleja infinitamente”. Esta cita abre uno de los capítulos de La imagen incesante. Radiografía de los formatos audiovisuales, un ensayo escrito a cuatro manos por Jordi Balló y Mercé Oliva, publicado por Anagrama y con traducción al castellano de Carlos Losilla —originalmente está escrito en catalán. El libro problematiza los formatos televisivos de entretenimiento y los pone en conversación con las sociedades en las que se desarrollaron y aquella política que parecían adelantar. No hay mayor reproducción de las aristas de las sociedad neoliberales que el espectáculo televisivo, y frente a la superficialdad de la crítica televisva, Jordi Balló y Mercé Oliva han escrito una obra lúcida, didáctica y punzante. Hoy, en Última Fila, contamos con ellos, y lo primero que os quería preguntar si la televisión refleja la sociedad, la televisión moldea la sociedad, o son las dos cosas a la vez. See omnystudio.com/listener for privacy information.
El cámara de Álex Montoya entra en 'La casa' de Paco Roca
25-04-2024
El cámara de Álex Montoya entra en 'La casa' de Paco Roca
VALÈNCIA. La casa, el nuevo largometraje de Álex Montoya, se estrena en cines el 1 de mayo tras su paso por la Sección Oficial del Festival de Málaga y el BCN Film Fest. Basada en el famoso cómic homónimo de Paco Roca , la película está protagonizada por David Verdaguer, Óscar De la Fuente, Luis Callejo, Olivia Molina, María Romanillos, Lorena López, Marta Belenguer, Jordi Aguilar, Miguel Rellán y Tosca Montoya . Con un tono agridulce salpicado de humor, 'La Casa' nos habla sobre la familia, la herencia y sobre el inexorable paso del tiempo. 'La casa' se presentará el próximo lunes 22 en el Barcelona Film Fest tras alzarse con seis premios en el Festival de Málaga: Biznagas de Plata a Mejor Guión, Mejor Música y la del premio del público junto al Premio Feroz Cámara Oscura, el Premio Jurado Joven y también una Mención Especial del Premio Signis.  Tras la muerte de su padre, tres hermanos se reúnen en la casa familiar en la que pasaron los veranos de su infancia. Toca decidir qué hacer con la vivienda, lo que resultará más difícil de lo esperado. Producida por Raw Pictures , Nakamura Films y Haciendo la casa AIE , la película cuenta con la financiación del  ICAA , del Institut Valencià de Cultura y del Instituto de Crédito Oficial , con la participación de Radio Televisión Española ,  À Punt Mèdia  y CREA SGR  y con la colaboración de FGV: Ferrocarrils de la Generalitat Valenciana . La distribución en cines correrá a carga de  A Contracorriente Films. Mamífera Lola disfruta de una vida feliz con su pareja, Bruno, hasta que un embarazo inesperado revoluciona todos sus planes. Aunque Lola siempre ha tenido claro que lo de ser madre no va con ella, ahora se siente cuestionada por las expectativas sociales y se enfrenta a sus temores internos. Durante los tres días que tienen que esperar hasta que llegue su cita en la clínica, Lola se acerca a sus amigas y a su familia con la intención de reafirmar su decisión. Bruno tampoco se había imaginado nunca como padre. Hasta ahora. Liliana Torres (Vic, 1980), estrenó su primera película, Family Tour, en el SSIFF - San Sebastián IFF y participó en la Selección Oficial del Warsaw IFF y del Busan IFF. Fue reconocida con el premio Best European Film Award en Crossing Europe. Su segunda película, ¿Qué hicimos mal?, se estrenó en la Selección Oficial del PÖFF - Tallin Black Nights, y compitió en el Festival de Cine Europeo de Sevilla y en el Miami Film Festival. Mamífera será su tercera película, y cerrará la trilogía autobiográfica que inició con sus trabajos anteriores. En las dos primeras, reflexiona sobre la familia y la pareja respectivamente y, en esta tercera, lo hará sobre la maternidad. “Tenía 25 años cuando, por sorpresa, mi madre me dijo: "no tengas hijos, disfruta de la vida". La frase me marcó. ¿Era mi madre una madre arrepentida? Esta fue la semilla que sembró mis dudas sobre la maternidad. Se ha hablado poco hasta ahora de lo que llegar a los 40 sin hijos significa para las mujeres. Especialmente para aquellas que tienen la posibilidad de tenerlos, pero no quieren. La sociedad, aunque esté abierta a nuevos modelos parentales, todavía no cuestiona que los hijos e hijas sean el centro de la familia. Las mujeres sin hijos son relegadas a tópicos baratos (soltera, antinatural, egoísta...), victimizantes y limitantes. He ido descubriendo que no quiero tener hijos. Quiero contar la historia de una mujer que decide no ser madre para hacer visibles las dificultades de la no maternidad y desestigmatizarla. También me gustaría que Mamífera sirviera como espejo para otras mujeres que han decidido no ser madres y se sienten incomprendidas. Mamífera tiene conflicto y reflexión, pero el humor característico de la pareja principal inunda toda la película y la convierte en una dramedia. Mi deseo es que esta película no sirva para reivindicar una opción de las mujeres contra otra, sino para tejer redes de comprensión entre todos los posibles modelos”, explica la directora. See omnystudio.com/listener for privacy information.
'La quimera': el viaje de Alice Rohrwacher a lo sagrado
19-04-2024
'La quimera': el viaje de Alice Rohrwacher a lo sagrado
La quimera, de Alice Rohrwacher, llega a los cines este 19 de abril distribuida por Elastica Films. Esta original, misteriosa y poética aventura rural tuvo su estreno mundial en la Sección Oficial del Festival de Cannes y se alzó con la Espiga de Plata en la SEMINCI (Semana Internacional de Cine de Valladolid). La quimera cuenta con un reparto encabezado por Josh O'Connor, que interpreta a un arqueólogo involucrado en el tráfico clandestino de artefactos arqueológicos. Ambientada en la campiña toscana, completan el reparto Isabella Rossellini y Alba Rohrwacher.  En su paso por la Sección Oficial del Festival de Cannes, La quimera fue calificada como la película "más libre, imprevisible y misteriosa de toda la competición" y "un homenaje a los extraños personajes que poblaban el cine de Fellini".Lo último de Rohrwacher celebró su premier en España en la Sección Oficial de la SEMINCI, conquistando la Espiga de Plata del festival gracias a su frescura, lirismo y encanto. Considerada por muchos la heredera del neorrealismo italiano, Rohrwacher invita con La quimera, su cuarto largometraje, a vivir una nueva fábula con toques mágicos y poéticos que nos traslada a la Italia rural de los años 80. Sueños y pan Sueños y Pan, nos muestra un Madrid como telón de fondo, donde dos jóvenes, Javi y Dani, protagonizan una emocionante peripecia tras robar un cuadro. La historia se entrelaza con la vida de una mujer adicta y su hijo, quien, a pesar de todo, aún conserva su inocencia. El reparto está encabezado por el actor Javier de Luis y George Steane, conocido por su trabajo con Pedro Almodóvar en el cortometraje Extraña forma de vida. El jurado la describió como "radical, novedosa y audaz", y la verdad es que esta definición es acertada. Por todo eso, entrevistamos a su director, Luis (Soto) Muñoz. El Consentimiento El Consentimiento, el segundo largometraje de Vanessa Filho, llegará a cines el próximo 19 de abril de la mano de Vercine. Presentada en el Festival Internacional de Tallin, donde Kim Higelin se alzó con el Premio a Mejor actriz, y nominada a Mejor guion adaptado y a Mejor actriz revelación en los Premios César 2024, se trata de la adaptación de la impactante novela homónima de Vanessa Springora, con el que la escritora y editora sacudió el panorama intelectual y sociopolítico francés e internacional, contribuyendo incluso al cambio en las leyes nacionales francesas sobre la edad legal del consentimiento.  Escrita en colaboración con la propia Springora y François Pirot, la película reabre un debate de profunda actualidad a través de la narración de relación de dominación que la autora mantuvo a los 14 años años con el famoso escritor Gabriel Matzneff, 36 años mayor que ella, un pederasta y depredador sexual que hasta hace muy poco era celebrado en el mundo de las letras.  Protagonizada por una inmensa Kim Higelin en su debut en el largometraje y por Jean Paul-Rouve en su mejor papel desde La vida en rosa, completan el reparto Laetitia Casta (Un hombre fiel), Sara Giraudeau (Médico de noche) y Lucie Debay (Omen).  El Consentimiento, que se estrenó en Francia en octubre de 2023, provocó una gran reacción viral entre el público joven a causa de la crudeza de ciertas escenas y diálogos. Esto acabó generando un trend en la plataforma TikTok donde muchos se sumaron grabándose antes y después de ver la película en cines, creando gran expectación. See omnystudio.com/listener for privacy information.